Am 30. September 2021 eröffnet die Münchner Galerie IMMAGIS ART PHOTOGRAPHY die neueste Ausstellung des legendären Fotografen Greg Gorman. Unter dem Titel „It’s Not About Me“ zeigt die Schau meisterhafte Porträts aus dessen gleichnamigen Buch, welches 2020 bei teNeues erschienen ist. Eine erste Präsentation ausgewählte Bilder war bereits im Frühjahr 2021 in Gormans amerikanischer Galerie Fahey/Klein zu sehen. IMMAGIS ist die erste Station der Ausstellung außerhalb der USA. Gorman ist für seine atemberaubenden und unvergesslichen Bilder bekannt. In den letzten 50 Jahren hat der Fotograf ein schier unendliches, eindrucksvolles und unverwechselbares Lebenswerk zusammengetragen, welches für feinste Porträt- und Starfotografie steht. Sein Geheimnis: der meisterhafte Umgang mit Licht und die uneingeschränkte Konzentration auf sein Gegenüber. Ganz im Sinne des Ausstellungstitels geht es dabei nicht um den Fotografen – oder etwa doch? Die Liste der porträtierten Stars spricht für sich selbst: Von Keanu Reeves, Laura Dern, John Waters, Sophia Loren und Al Pacino bis hin zu Tom Waits, Alfred Hitchcock, Hugh Jackman, David Hockney, und Johnny Depp ebenso wie Leonardo DiCaprio, Sharon Stone, Michael Jackson, Brad Pitt, Robert De Niro und Marina Abramović sind alle vertreten. Und natürlich ist ein besonderer Abschnitt Gormans langjährigen Freunden David Bowie, Grace Jones und Elton John, den er erst kürzlich erneut fotografierte, gewidmet. Die Ausstellung „It’s Not About Me“ zeigt jedoch nicht nur Gormans Ikonen, sondern gewährt auch einen breiten Überblick über seine brillante Porträtfotografie. Von Hollywoodstars über Künstler*innen und berühmte Musiker*innen hat Greg Gorman immer die perfekte Stimmung und Umgebung gefunden, um diese so unterschiedlichen Persönlichkeiten einzufangen und gleichzeitig seinem einzigartigen visuellen Stil treu zu bleiben. Auf diese Weise wurden seine Porträts zu Meilensteinen der zeitgenössischen Fotografie, mit zeitlosem, universellem Reiz und immer einem gewissen Abstand zu den Kollegen.

Ab dem 31. Oktober 2021 zeigt die Berliner Helmut Newton Stiftung die große Retrospektive „HELMUT NEWTON. LEGACY“. Die Ausstellung sollte ursprünglich anlässlich des 100. Geburtstags des Fotografen eröffnet werden, wurde jedoch aufgrund der aktuellen Situation um ein Jahr verschoben; sie hält neben zahlreichen Bildikonen von Helmut Newton auch manche Überraschungen für die Besucher*innen bereit. Auf der gesamten Ausstellungsfläche im ersten Stock des Museums wird das Leben und das visuelle Vermächtnis des gebürtigen Berliner Fotografen chronologisch nachgezeichnet. Mit etwa 300 Werken, von denen die Hälfte zum ersten Mal gezeigt wird, präsentiert der Stiftungskurator Matthias Harder unbekanntere Aspekte aus Newtons Werk, darunter vor allem seine ungewöhnlichen Modefotografien der unterschiedlichen Dekaden, die den sich wandelnden Zeitgeist widerspiegeln. Abgerundet wird die Präsentation durch Polaroids und Kontaktbögen, mit denen man in der Ausstellung der Entstehung berühmter Motive nachspüren kann, sowie Sonderveröffentlichen, Archivalien und Zitate des Fotografen. Seinen unnachahmlichen Stil fand Newton im Paris der 1960er-Jahre, etwa mit den Aufnahmen der damals revolutionären Modeentwürfe von André Courrèges. Neben den klassischen Studioaufnahmen arbeitete der Fotograf auch in den Straßen von Paris und inszenierte seine Modelle etwa als vermeintliche Demonstrantinnen oder im Rahmen einer Paparazzi-Story; stets im Auftrag bekannter Modemagazine. Die teilweise engen Rahmen-bedingungen und Erwartungen seiner Auftraggeber waren für ihn gleichzeitig ein Anreiz, gegen die traditionellen Darstellungsmodi zu opponieren. Seit den 1970er-Jahren hatte Newton hingegen nahezu unbegrenzte Möglichkeiten beim Shooting vor Ort, ob per Helikopter am Strand von Hawaii oder in einem Pariser Stundenhotel, wo er Unterwäsche fotografierte und über die Spiegel im Raum stets im eigenen Bild sichtbar blieb. So testete Newton immer wieder gesellschaftlich-moralische Grenzen aus und definierte sie mitunter neu; er verstörte und verzauberte die Menschen mit seinen Visionen und Visualisierungen von Mode und Weiblichkeit – und das bis zu seinem Lebensende. Wohl kein Fotograf wurde häufiger publiziert als Helmut Newton. Heute sind viele seiner ikonischen Bilder Bestandteil unseres kollektiven Bildgedächtnisses. Doch nach einer intensiven Recherche im Stiftungsarchiv kommen nun vergessene, überraschende Fotografien ans Licht...

Parallel zur Ausstellung „America 1970s/80s“ mit Werken von Evelyn Hofer, Sheila Metzner, Joel Meyerowitz und Helmut Newton zeigt die Helmut Newton Stiftung im Projektraum über 50 Fotografien von Stephan Erfurt, die in den 1980er-Jahren zwischen New York und der kalifornischen Pazifikküste entstanden sind. Die inhaltliche Verbindung zur Hauptausstellung im ersten Stock des Museums ist eng geknüpft, denn Erfurt assistierte zuerst Evelyn Hofer und ließ sich später von Joel Meyerowitz entscheidende Hinweise für eine eigene Werkgruppe geben. Erfurts fotografischer Werdegang begann 1980 in Wien, wo er die Tänzer und Tänzerinnen des Opernballs beobachtete, und etwas später in Paris, wo er des Nachts die Musiker in den verzweigten Gängen der Metro porträtierte. Das Medium begann ihn bald so sehr zu faszinieren, dass er parallel Fotografie an der Gesamthochschule Essen studierte. Aber Paris war erst der Anfang; 1984 zog er weiter nach New York ins East Village, wo Erfurt in einem winzigen Loft lebte. Und Amerika war und blieb für den jungen Fotografen für fünf Jahre Schaffensort und Lebensmittelpunkt – bis zum Fall der Mauer. Das Magazin der Frankfurter Allgemeinen Zeitung wurde Mitte der 1980er-Jahre zum Auftraggeber und Abnehmer seiner Bilder und Bildgeschichten aus den Straßen und Restaurants dieses legendären kulturellen Schmelztiegels und von seinen Reisen quer durch das riesige Land. Ob in New York, Miami, Las Vegas oder Los Angeles, überall entstanden intensiv recherchierte Reportagen für das FAZ-Magazin, häufig begleitet von Texten von Jordan Mejias. Angeregt durch Evelyn Hofer entstand beispielsweise 1985 die „Wall Street“-Serie, deren harte, scharf gezeichnete Hell-Dunkel-Kontraste auch heute noch begeistern.

In der Ausstellung „Natural Appearance“ von Maria Jauregui Ponte und Aitor Ortiz zeigt die Galerie Springer Berlin zwei Serien, die unabhängig voneinander entstanden sind, sich jedoch dem gleichen Thema widmen, dem Schein der Natur. Sie haben beide auf unterschiedliche Weise das Sichtbare und Unsichtbare mit Hilfe der Fotografie eingefangen. In der Serie „Wo Fuchs und Hase“, an der Maria Jauregui Ponte seit 2018 arbeitet, zeigt die Galerie Bilder aus einem kleinen Ort in Mecklenburg. Der Zyklus handelt von Wildtieren, die sich mit den Menschen ihren Wohnraum teilen. Bei Tage leben sie zurückgezogen und auf Abstand mit den Menschen. Sobald es dunkel wird und sich die Bewohner in ihre Häuser zurückgezogen haben, erobert die Tierwelt das Terrain zurück. Diese Zurückeroberung macht Maria Jauregui Ponte mit Hilfe einer Wildkamera sichtbar. Am Tag begibt sich die Künstlerin mit der Kamera auf die Suche der Spuren, die die Tiere in der Nacht hinterlassen haben; in einer Umgebung, die von der industriellen Landwirtschaft geprägt ist und nur scheinbar die Natur repräsentiert. Ortiz fotografiert die faszinierenden Formationen von Starenschwärmen an der baskischen Atlantikküste. Isoliert von ihrem natürlichen Hintergrund bilden sie dunkle Flecken auf leeren Leinwänden. Diese Strukturen oder Knäuel werden von hunderten oder tausenden Wesen gemeinsam koordiniert. Sie bilden eine wendige, unvorhersehbare Choreografie, in der das Individuum verschwindet. Dieses Naturwunder fängt Aitor Ortiz mit der Kamera ein und verfremdet sie mit technischer Raffinesse. Maria Jauregui Ponte und Aitor Ortiz stammen aus dem spanischen Baskenland; Ortiz lebt in der Nähe von Bilbao, Jauregui Ponte in Berlin und Mecklenburg-Vorpommern.