Christian Rothmann (geb. 1954 in Kędzierzyn, Polen, lebt und arbeitet in Berlin) ist künstlerisch ein Tausendsassa, ein begnadeter kultureller Brückenbauer und ein rastloser Reisender durch Zeit und Welt. Er fotografiert überall, vor allem auf den Reisen, so entstehen Fotografien als künstlerische Dokumentationen, spontan entstandene Symbolbilder oder als Teil einer konzeptionellen Serie. Es ist die Neugier und die Spontaneität, die ihn und sein Werk auszeichnen; er ist schnell, physisch und mental, er antizipiert die Situationen, die sich ihm visuell bieten, egal wo. Rothmann arbeitet an mehreren Langzeitprojekten gleichzeitig, immer fallen ihm Basketballkörbe auf, die an den aberwitzigsten Orten hängen, er beobachtet Kinder, achtet auf Blumen und Spielzeug in Restaurants und Geschäften, auf interessante Schattenmuster und exotische Speisen in ungewöhnlichen Konstellationen – oder für seine Sequenz „Legs of the World“ auf schöne Beine, nicht nur von Frauen, manchmal auch auf Werbeplakaten oder Gemälden in Museen. Weiterhin interessieren ihn parkende, vergessene oder zugewachsene Autos, mit denen er auf die immobile Kehrseite unseres allgegenwärtigen Mobilitätswahns verweist. So kommen immer wieder neue Motive dazu, gefundene Bilder, die dem aufmerksamen Zeitgenossen und Augenmenschen Christian Rothmann gleichsam vor die Füße fallen. Anders als bei diesen „Fundstücken“ gelingt es ihm aber auch, sich Menschen jeden Alters und unterschiedlichster Gesellschafts- und Kulturkreise zu Komplizen zu machen, etwa für seine Serien „you and me“ oder „Mother & Daughter“. Und die Fotografie ist nur ein künstlerisches Ausdrucksmittel. Großformatige, heftige Malerei auf Leinwand in seinem Berlin-Kreuzberger Atelier und das zarte Aquarellieren auf kleinformatigem Papier ergänzen sie. So entsteht ein reiches, heiteres Bildwerk in unterschiedlichen Medien. (Matthias Harder) Christian Rothmann. “The Light Touch”, herausgegeben von Matthias Harder, mit Texten von Andreas Haus, Young Hay, Thea Herold, Wolfgang Heyder, Daniela Kloock, Barbara Robra, Christian Rothmann, Christiane Stahl, Gerd Stern, Christoph Tannert, Wim Wenders, Hanns Zischler, Dorothee Baer-Bogenschütz, F.W. Bernstein, Liane Burkhardt/Gerd Harry Lybke, Ilonka Czerny, Jürgen Ebertowski, Elfie E. Fröhlich, Matthias Harder, Gestaltung: Christian Rothmann, Hardcover, 20 x 27 cm, 480 Seiten, 460 Abbildungen, Deutsch und Englisch, DCV Verlag, Berlin, ISBN: 978-3-96912-068-2, Preis: 45 €

Noch bis zum 23. Januar 2022 zeigt die Helmut Newton Stiftung im Projektraum über 50 Fotografien von Stephan Erfurt, die in den 1980er-Jahren zwischen New York und der kalifornischen Pazifikküste entstanden sind. Die inhaltliche Verbindung zur Hauptausstellung im ersten Stock des Museums ist eng geknüpft, denn Erfurt assistierte zuerst Evelyn Hofer und ließ sich später von Joel Meyerowitz entscheidende Hinweise für eine eigene Werkgruppe geben. Erfurts fotografischer Werdegang begann 1980 in Wien, wo er die Tänzer und Tänzerinnen des Opernballs beobachtete, und etwas später in Paris, wo er des Nachts die Musiker in den verzweigten Gängen der Metro porträtierte. Das Medium begann ihn bald so sehr zu faszinieren, dass er parallel Fotografie an der Gesamthochschule Essen studierte. Aber Paris war erst der Anfang; 1984 zog er weiter nach New York ins East Village, wo Erfurt in einem winzigen Loft lebte. Und Amerika war und blieb für den jungen Fotografen für fünf Jahre Schaffensort und Lebensmittelpunkt – bis zum Fall der Mauer. Das Magazin der Frankfurter Allgemeinen Zeitung wurde Mitte der 1980er-Jahre zum Auftraggeber und Abnehmer seiner Bilder und Bildgeschichten aus den Straßen und Restaurants dieses legendären kulturellen Schmelztiegels und von seinen Reisen quer durch das riesige Land. Ob in New York, Miami, Las Vegas oder Los Angeles, überall entstanden intensiv recherchierte Reportagen für das FAZ-Magazin, häufig begleitet von Texten von Jordan Mejias. Angeregt durch Evelyn Hofer entstand beispielsweise 1985 die „Wall Street“-Serie, deren harte, scharf gezeichnete Hell-Dunkel-Kontraste auch heute noch begeistern.

In der Ausstellung „Natural Appearance“ von Maria Jauregui Ponte und Aitor Ortiz zeigt die Galerie Springer Berlin zwei Serien, die unabhängig voneinander entstanden sind, sich jedoch dem gleichen Thema widmen, dem Schein der Natur. Sie haben beide auf unterschiedliche Weise das Sichtbare und Unsichtbare mit Hilfe der Fotografie eingefangen. In der Serie „Wo Fuchs und Hase“, an der Maria Jauregui Ponte seit 2018 arbeitet, zeigt die Galerie Bilder aus einem kleinen Ort in Mecklenburg. Der Zyklus handelt von Wildtieren, die sich mit den Menschen ihren Wohnraum teilen. Bei Tage leben sie zurückgezogen und auf Abstand mit den Menschen. Sobald es dunkel wird und sich die Bewohner in ihre Häuser zurückgezogen haben, erobert die Tierwelt das Terrain zurück. Diese Zurückeroberung macht Maria Jauregui Ponte mit Hilfe einer Wildkamera sichtbar. Am Tag begibt sich die Künstlerin mit der Kamera auf die Suche der Spuren, die die Tiere in der Nacht hinterlassen haben; in einer Umgebung, die von der industriellen Landwirtschaft geprägt ist und nur scheinbar die Natur repräsentiert. Ortiz fotografiert die faszinierenden Formationen von Starenschwärmen an der baskischen Atlantikküste. Isoliert von ihrem natürlichen Hintergrund bilden sie dunkle Flecken auf leeren Leinwänden. Diese Strukturen oder Knäuel werden von hunderten oder tausenden Wesen gemeinsam koordiniert. Sie bilden eine wendige, unvorhersehbare Choreografie, in der das Individuum verschwindet. Dieses Naturwunder fängt Aitor Ortiz mit der Kamera ein und verfremdet sie mit technischer Raffinesse. Maria Jauregui Ponte und Aitor Ortiz stammen aus dem spanischen Baskenland; Ortiz lebt in der Nähe von Bilbao, Jauregui Ponte in Berlin und Mecklenburg-Vorpommern.