Am 1. Oktober 2022 eröffnet die Solo Show „Torso Reloaded“ von Nadine Dinter in der Berliner HAZEGALLERY. Das Konzept wurde bereits 2012 anlässlich der Zusammenarbeit mit dem New Yorker Fotografen Christopher Makos, einem langjährigen Wegbegleiter Andy Warhols, entwickelt. Für seine von Nadine Dinter kuratierte Ausstellung „Andy Dandy and Other Works“ in der galerie hiltawsky reiste Makos u.a. mit dem früheren Erotic-Art-Model und heutigen Tattoo Artist Benjamin Godfre an, der sich wiederum als großer Warhol-Fan entpuppte. Dinter und Godfre beschlossen kurzerhand, Warhols legendäre „Torso“-Serie aus dem Jahr 1977 fotografisch nachzuempfinden. Exakt zehn Jahre später nimmt die Fotografin die Idee wieder auf. Zwar steht weiterhin Warhols Geist Pate, allerdings geht es darüber hinaus um die unterschiedlichen Körpertypen und deren individuelle Inszenierungen als Teil der heutigen Männergeneration. Gezeigt werden, neben dem allersten Torso von Benjamin Godfre, exemplarisch sechs Männer – vom professionellen Fotomodel Benjamin Kühnemund und dem Fotografen Traegi über einen Wrestler, einen Fitness-Instruktor, einen Computer-Scientist bis hin zum Fotografen-Kollege Alexander Schuktuew. Während Warhol jedoch primär die „Vorder- und Rückseite“ der männlichen Modelle im engen Close-Up fotografierte, zieht Nadine Dinter den Ausschnitt weiter auf, um den Besonderheiten wie Tätowierungen, Narben und Formungen mehr Platz und Wirkung einzuräumen. So scheinen die Körper zum Anfassen nahe, ohne eine sexuelle Handlung abzubilden. In einer intimen Hotel-Atmosphäre und lediglich im Tageslicht entstanden zwischen Januar und April 2022 diese ruhigen Körperaufnahmen, von denen jede ihre eigene Geschichte erzählt und auf diese Weise die blanke Abbildung zum fotografischen Steckbrief werden lässt. Die Ausstellung Torso Reloaded untersucht den „Female Gaze“ auf den männlichen Körper und begleitet die Fotografin bei der exemplarischen Bestandsaufnahme des aktuellen Körperkults. Alle 2022-Bilder wurden mit der Leica SL2 aufgenommen. Über die Fotografin: Nadine Dinter fotografiert seit 1991, im Fokus ihrer Arbeit standen zunächst die Genres Skulpturen- und Portraitfotografie. Erste Ausstellung 1998 bei der Schering AG. Weitere Fotopräsentationen in Berlin und New York folgten: „Project Angel“ + „Project Angel Reloaded“ (2001, NYC), „Essence of Winter“ (2002, NYC), „In the eye of the beholder“ (2004, Berlin) und „Janus-Faced“ (2013, Berlin), parallel dazu ab 2006 Auftragsfotografie für diverse Publikationen; Repräsentanz durch akg-images seit dem Jahr 2000. Mehr unter: @dinterphotography Über die Galerie: Die HAZEGALLERY wurde 2019 gegründet. Ihr Ziel ist es, die junge zeitgenössische Kunstszene Berlins durch Ausstellungen, Pop-Up-Shows und Kunst-Gatherings in die Welt zu tragen.

Am 2. September 2022 eröffnete mit „Magnum Photos. The Misfits“ die zweite Parallel-Ausstellung zur umfangreichen Hauptausstellung „HOLLYWOOD im ersten Stock der Helmut Newton Stiftung. Mit „The Misfits“ blicken wir zurück in die bedeutende Zeit großer Filmproduktionen. Arthur Millers Stück wurde 1960 von John Huston in Starbesetzung verfilmt, und nahezu alle damaligen Magnum-Mitglieder haben am Set in Reno fotografiert. Das geschah erstmals und einmalig in dieser Kombination. Wir sehen Marilyn Monroe, wie sie sich auf ihren Text konzentriert, in einer Aufnahme von Inge Morath, Montgomery Clift im Fonds eines Autos, aufgenommen von Dennis Stock, oder die berühmte Gruppenaufnahme mit den Schauspielern und Schauspielrinnen, flankiert vom Regisseur und Autor, fotografiert von Elliott Erwitt. Darüber hinaus vereint die Ausstellung auch Aufnahmen vom Film-Set von Henri Cartier-Bresson, Bruce Davidson, Cornell Capa, Ernst Haas, und Erich Hartmann, kurzum: ein Who’s Who der damaligen Fotografie-Geschichte. Die Magnum-Mitglieder machen uns Nachgeborene zu Zeugen der Entstehung eines Hollywood-Klassikers, und sie selbst blieben bei der Arbeit anscheinend beinahe unsichtbar. Das ist ein Bruch mit der Starinszenierung früherer Zeiten, im Auftrag der großen Filmstudios, der wir in der Hollywood-Ausstellung im ersten Stock begegnen, und eine entscheidende Weiterentwicklung in der Visualisierung des Kinos. Dort hängen auch einige „The Misfits“-Aufnahmen von Inge Morath und Eve Arnold, gegenüber anderen Set-Fotografien von Steve Schapiro, der Mitte der 1970er-Jahre Roman Polanskis Film „Chinatown“ begleitet hat, und legen gewissermaßen eine Fährte zur ergänzenden Ausstellung mit knapp 50 S/W-Aufnahmen im Projektraum im Erdgeschoss des Museums. Mit der Hauptausstellung im ersten Stock des Museums blicken wir etwa 100 Jahre zurück, in die Pionierzeit Hollywoods, von den frühen Starporträts der 1920er und 30er-Jahre, aufgenommen von Ruth Harriet Louise und George Hurrell, bis in die heutige Zeit Hollywoods, beispielsweise mit Porträts von Anton Corbijn. Auch der Cineast Helmut Newton, 1920 in Berlin geboren und stets Ausgangs- und Bezugspunkt solcher Gruppenausstellung, verbindet mit seinen Hollywood-Porträts, u.a. der Emigranten unter den Filmschaffenden, die Alte und die Neue Welt.

Seit dem 3. Juni 2022 zeigt die Berliner Helmut Newton Stiftung die neue Gruppenausstellung „HOLLYWOOD“ mit Werken von Eve Arnold, Anton Corbijn, Philip-Lorca diCorcia, Michael Dressel, George Hoyningen-Huene, Jens Liebchen, Ruth Harriet Louise, Inge Morath, Helmut Newton, Steve Schapiro, Julius Shulman, Alice Springs und Larry Sultan. In Vitrinen werden zusätzlich Fotografien von George Hurrell sowie Publikationen von Annie Leibovitz und Ed Ruscha präsentiert. Helmut Newton ist für Gruppenausstellungen wie dieser stets Ausgangs- und Bezugspunkt; in seiner Fotografie hat er sich immer wieder auf das Kino bezogen, aber auch konkrete Filmszenen zitiert, etwa von Alfred Hitchcock oder der französischen Nouvelle Vague. So wirken einige seiner Modeinszenierungen seit den 1960er-Jahren geradezu kinematografisch, und manche Porträts seit den 1970er-Jahren wie kunstvolle Film-Stills. In den 1980er und 90er-Jahren wiederum fotografierte Newton während des Filmfestivals auch Schauspieler*innen oder Mode an der Croisette von Cannes. In der neuen Gruppenausstellung werden darüber hinaus dreizehn Fotografinnen und Fotografen mit ihren Interpretationen von Hollywood präsentiert, wie üblich in größeren Werkgruppen. Der Hauptraum ist dem Medium Film und dem System Hollywood in unterschiedlichen Aspekten gewidmet: Schauspieler*innen-Porträts aus der frühen Hollywood-Zeit von Ruth Harriet Louise und George Hoyningen-Huene, weiterhin spätere Standbilder und Filmsets von Steve Schapiro und mehreren Magnum-Fotograf*innen, darunter Eve Arnold und Inge Morath, die 1960 während der Dreharbeiten des John Huston-Film „Misfits“ fotografierten. In einer Glasvitrine wird überdies eine umfangreiche Portfolio-Mappe aus dem Besitz von Helmut Newton mit etwas späteren Aufnahmen von George Hurrell präsentiert, der Ruth Harriet Louise 1930 als wichtigster Hollywood-Porträtist der großen Filmstudios ablöste. Im gleichen Raum, etwas separiert, hängen weiterhin fünf großformatige Farbaufnahmen aus Larry Sultans Bildserie „The Valley“, mit der er die Pornofilm-Industrie nahe Hollywood untersucht hat, der größten überhaupt, gewissermaßen die ebenso lukrative Schattenseite der strahlenden Glamourwelt. In einem anderen Raumkompartiment sind fünf große, formal reduzierte Schwarz-Weiß-Porträts aus Los Angeles von Anton Corbijn präsentiert, von Clint Eastwood bis Tom Waits. In einer weiteren Vitrine sind die berühmten Hollywood-Porträts von Annie Leibovitz ausgebreitet, die sie jedes Jahr für Vanity Fair fotografiert: die Oscarpreisträger*innen in panoramatischen Gruppenporträts als Klappcover des Magazins. So wird in diesem Raum der historische Bogen über ein ganzes Jahrhundert geschlagen, von den frühen Starporträts der 1920er-Jahre, die als vorbildhaft gelten können, bis in die heutige Zeit Hollywoods, von Vintage Prints unterschiedlicher Größen bis hin zu Zeitschriftenreproduktionen. Im hinteren Ausstellungsraum liegt der Schwerpunkt auf der Stadt Los Angeles; hier sind Julius Shulmans Architekturaufnahmen der legendären Villen in den Hollywood Hills oder Beverly Hills zu sehen, architektonische Ikonen der L.A.-Moderne, in denen manche Filmstars oder Produzenten lebten oder die gelegentlich zum Filmset wurden. Demgegenüber zeigt uns Michael Dressel seine kontrastreichen, teilweise schonungslosen Porträts der Gescheiterten und Desillusionierten oder auch Hollywood-Touristen. Es sind flüchtige Begegnungen, die durch ihre Spontanität und situative Komposition bestechen. Jens Liebchens Farbbildserie „L.A. Crossing“ entstand ab 2010 im Rahmen des von Markus Schaden initiierten Projekts „La Brea Matrix“ auf den Spuren von Steven Shore. Aus seinem Mietwagen heraus fotografierte Liebchen vermeintlich unspektakuläre Straßenszenen, die sich in Form der Bildsequenz als empathisch-soziologische Gesellschaftsstudie entpuppt. Ihm gegenüber hängt Philip-Lorca di Corcias „Hustler“-Serie aus den 1990er-Jahren, also Porträts männlicher Prostituierter rund um den Santa Monica Boulevard. Im Bildtitel wird der Name der Porträtierten ebenso angegeben wie ihr Herkunftsort und ihr Stundensatz, der sich hier allerdings auf das Foto-Honorar bezieht. In der zentralen Vitrine wird Ed Ruschas legendärer Leporello „Every Building at the Sunset Strip” von 1966 aufgeblättert und bildet den architektonisch-gesellschaftlichen Bezugsrahmen für die Kollegen, deren spätere Fotografien von den gleichen Orten und Straßenecken in diesem Ausstellungraum an den Wänden hängen. Eine andere Art von „Street Photography“ ist dieses Mal in June’s Room zu sehen, aufgenommen im Jahr 1984 von Alice Springs auf der Melrose Avenue in West Hollywood. Dort begegnen wir der musikbasierten Gegenkultur der Punks und Mods und anderen Selbstdarstellern, die die Straße zur Bühne machen, als sei alles eine Castingshow.

„Verfall ist leben. Leben ist verfallen. Solange man verfällt, lebt man…“, schreibt der Berliner Fotograf Michael Ruetz (*1940) im Vorwort zu seinem neuen Buch Decay & Serendipity, welches kürzlich im Verlag Éditions Facteur Cheval erschienen ist und seine persönliche Hommage an das Genre Vanitas darstellt. Zwischen 2015 und 2021 widmete sich Ruetz dem „blindlings Schauen“. „Die Arbeitsbasis dieses im Verlauf von sieben Jahren entstandenen Zyklus war/bedeutete eine beiläufige und absichtslose Näherung. Die Wahrnehmung dessen, was sich bietet und geboten wird“ – vielmehr dem, was der Fotograf während seinen Spaziergängen im Berliner Bezirk Charlottenburg oder rund um seine spanische Finca fand: Blätter, Gräser und entsorgte Blumen in den heimischen vier Wänden. So könnte man sagen, dass der „Zufall bei diesem Projekt Regie geführt hätte, ohne Plan und ohne Absicht, wurde heutiges und halbvergessenes zu einer surrealen Mischung vereint und dann fotografisch für die Ewigkeit festgehalten“. „Im Vergleich zu den als viele Jahre umfassende Langzeitstudien angelegten Timescapes – unter diesen Begriff fasst Michael Ruetz seine jeweiligen Werkgruppen mit Zeitbezug zusammen – wurde der Zyklus Decay & Serendipity in einem kürzeren Zeitraum verwirklicht. In verschiedenen Innenraumsituationen und immer bei natürlichem, im Raum herrschenden Licht wurden die Gebilde aus aufgelesenen, zufällig gefundenen Blumenblüten und -blättern, Laub und Ästen arrangiert, meist in oder auf einem transparenten Glasbehälter, von dem nur ein Fragment erkennbar bleibt, in dem sich das tageslichtspendende Fenster spiegelt...